东京TDC2021年鉴设计师大解构！从平面到空间，他在捕捉设计的独特“场域”｜田中义久直播预约开启

经田中先生介绍，此次从二维到三维的设计，是运用了书籍作为载体本身所具有的物质性、空间性，重新呈现了“字体/排印设计”这个一直被局限在平面范围的表现。他希望通过这个实验性的尝试，可以更好的展现优秀的获奖作品。

在A5尺寸的体积下，年鉴把每个页面的作品数量限制在两个以内，使其更容易阅览。田中先生谈到，采用这样的分页方式，一是考虑到大多数人已经适应了社交网络的信息传播方式，二是因为将同一个项目的图片整合在一页会更容易理解。

尺寸缩小带来的页数增加，同时也能让读者强烈感受到书籍能带来的、与互联网的信息传达所不同的实体感。当然，考虑到便携性，年鉴采用了非常轻的纸张，即使厚达480页，这本书拿在手上仍然能够保持轻盈。

对此次改版，田中表示，一方面是顺应了互联网兴起而产生的纸媒地位的改变；同时回应了TDC委员会希望年鉴价格能让更多年轻设计师和学生负担的愿望。

田中义久是2013年日本平面设计协会（JAGDA）新人赏得主，也是AGI会员，多次担任TDC评委，同时是东京艺术大学和多摩美术大学的讲师。除了书籍设计以外，田中还在多个领域深度钻研，包括为公共空间设计导视系统和视觉识别、担任东京艺术书展的艺术指导、运营书店、画廊与出版社，等等。本次Design360°与田中进行对话交流，从本次TDC年鉴设计理念出发，重新回顾与探索了田中义久丰富而又低调的设计师生涯的一些片段。

田中义久：在艺术与设计间无界“越境”，从业十余年却没有官网

田中义久于1980年出生于日本静冈县滨松市，毕业于武藏野美术大学空间演出专业。大学时，田中的第一志愿其实是平面设计，但却没能如愿录取。在同分数下，他选择了空间演出学科，一个比较偏当代艺术的设计学科。“现在回头来看，可能是适合自己的。”田中评价道。

从武藏野美术大学毕业后，田中在设计事务所工作了几个月，便辞职开启了独立设计师的生涯。从业十多年后的今天，田中的工作重心之一是提高公共空间的视觉信息设计的功能性和质量。东京都写真美术馆、东京艺术书展、ANB画廊等公共文化设施设计的视觉识别及空间导视系统都是他的作品，而他自2015年起就担任东京艺术书展的艺术指导。

同时，田中擅长书籍等纸媒体和印刷品设计，操刀设计过多本摄影集和艺术家作品集。他还与雕刻艺术家飯田竜太一起组成了艺术家组合“Nerhol”。

37岁前后加入AGI，在设计中追求适材适所的“生态系统”

田中非常重视设计的“生态”。对于过去几十年建立起来的“品牌化”设计方法论，他持保留态度：“越来越多品牌在表层上过于超前，内容却跟不上，然后变得不堪重负……设计在某种意义上似乎开始失去信誉。”在他看来，为了长远利益，设计师和品牌需要考虑如何产生与其他公司的差异化或附带附加价值，而不是采用目前的思考方式，因为后者最终会造成他人负担。

田中所期盼的，是一种除开创作者以外，各种背景的人都可以参与并支持创作，与创作者一起编撰的“适材适所”的设计生态系统。他认为，近年来随着共享创作过程的机制的日渐丰富，这样的生态系统在未来会变得越来越有必要。

“虽然载体有时候是书，有时候是展览视觉或者空间导视标志，但我的设计工作大多都在文化活动方面。”这样的关注方向，是因为田中从小便喜爱艺术，又加上了大学学科的影响。虽然工作领域横跨空间设计和平面设计，但田中还是笑称自己其实没有在跨领域，只是“很庆幸能以平面设计为基底，用各种形式在艺术文化领域进行创作。”

《idea》杂志第381期是田中义久的个人刊，主题为《越境的遍历（Transboundary Design）——田中义久的设计视角》。这里的“越境”，田中认为是从艺术和设计的两个轴上来理解的，而不是常被讨论的“跨界”。在他看来，艺术与设计的界限在讨论中逐渐模糊，两者从而发展成一个综合体。这正是领域在平面设计历史中的扩张方式，而这种方式能够带来新的发现。

相比对某种设计的整体评价或定义，田中更喜欢每个作品单独被评价。“在我的工作方式中，只有一小部分作品可以被视为我的作品，如果我专注于此，它就会成为我的一种束缚。”

大概在37岁时加入了AGI，田中是当时最年轻的日本籍AGI成员。这样做确实增加了找他咨询设计的人，他回忆道。然而，以这个方式接触到他的人大多只看到了他作品最表层的“表现”部分，而不是理解他的设计理念，一旦真正开始一起工作，就会遇到很多出入。

“与其变成一个谁都可以找到的设计师，对我来说更想和互相理解之后，无论如何也要一起工作的人，认真地去完成一个作品。双方的信任可以让结果有一个好的导向，也会让这个联系变得长久，或者从这个联系产生新的联系。”这或许就是为什么田中从业十几年，却连官方网站都没有，也极少宣传自己。

田中的空间导视系统设计：存在是为了可视化

空间演出专业出身的田中认为，在设计思考上，环境标识设计与书籍设计中所做的事情其实差不多：“将传达一个美术馆或其他公共设施所需要的所有的平面设计，用应有的方式、相应的材料，放在该放的位置，例如LOGO、字体选择、象形图标等等，这是一回事。存在是为了可视化，即使空间大小不同，将这些关系立体地连接和整合方式也是一样的。”

近两年，田中在公共设施的空间导视系统和艺术节的艺术指导方面的工作逐渐增加，使他有了更多机会“从各个角度探究空间导视系统的平面设计的理想方式”。

日本理光公司的3L大楼项目是田中最近几个项目之一。该项目改造了理光创业原点的老建筑设施，同时将再生建筑的概念延伸到空间导视系统：用改建时废弃的建筑材料制作导视，或者剥离原有材料而形成新的导视，以这样的方式去制作了一个既创新、同时又继承这栋建筑记忆的空间导视。

即将在2022年举办的爱知国际艺术节也将由田中设计导视和VI，为了将举办地的地方特色转化为具体设计，田中和团队正在积极调研。而他也将为自己在2016年操刀过导视和VI的东京都写真美术馆更新导视，根据实际运用中出现的问题进行升级和优化。

连续7年担任东京艺术书展的艺术指导，将线下展览衍生为线上交互平台

从2015年起，田中就担任东京艺术书展（简称TABF，下同）的艺术指导。2020年，由于疫情，TABF由线下活动变成线上举办的形式，而2021年则是线上线下并行。对于田中而言，这就是将线下视觉衍生到了线上交互平台的工作。

“TABF本身是从一个小型的、灵活的场所开始的，具有很强的适应性和随机性。所以在面对疫情这种突如其来的‘时代的意外’时，TABF也拥有灵活应对的能力和立场。”田中认为，这样的背景有利于大家更好地理解线上和线下之间的差异、两方的优势和劣势。

TABF2021线上书展以充满趣味性的“蔬菜摊”视觉呈现，点击可以阅读Design360°此前对它的介绍文章。对田中而言，线上艺术书展的挑战之一在于组建网页设计团队，以及向成员中添加建筑师和结构设计师。

每年的线下书展都在东京现代美术馆举行，而相应地在线上书展中，田中认为即使在虚拟的基础上也应像线下一样建造一个空间。“现在线上的模式还不能说是完成了，但我觉得它可以继续进化。”田中透露接下来将会朝着可操作性、促进交流的方向改进线上书展。

经营独立书店“POST”，以出版社为单位展示世界各地的艺术书籍

在众多的设计工作中，对田中来说，从2011年开始参与的独立书店“POST”是一个特别的项目。书店以“出版社”为单位展示书籍，主要引进来自日本海外多个出版社的艺术、摄影相关的书籍。田中回忆道，他的合作伙伴中岛佑介开这家书店的初衷是想要“从出版社的个性和哲学出发，呈现不一样的书籍存在方式”。因此，书店每两个月更换一次书店里所有的书，定期介绍不同出版社的书籍。

因此，在LOGO以外，田中设计了一个视觉系统去适应这个不断变化的书店：以一张折页为表现形式，根据当期出版社的特征，通过勾勒书籍的轮廓、选择能代表该出版社的颜色等方式，在该系统内再构视觉，并选用最符合该出版社的纸张。这个折页控制在固定的费用内，可以轻松分发给书店顾客，同时预告下一期的出版社。

“因为‘POST’，这些海外出版商的书籍也因此进入了普通书店里，进入了更多读者的视野之中。”

对谈田中义久：书籍设计——最大限度地发挥书籍激发五感的特性

从业书籍设计多年，或许由于接触到的多为艺术书籍，田中“总是有意识去最大限度地发挥书可以激发五感的特性，以多种手段去实现传达的目的”。除此之外，他对纸张充满热爱，在书籍设计中有着极为细节的执着和考量。Design360°与田中义久就书籍设计这一方面进行了深入交谈。

360°：可否请你分享一下你在书籍创作上的理念与原则？你是如何将书的概念部分与物质部分进行转化与结合？

田中：做设计师是作为媒介者，也就是信息和受众之间的中间环节，将想要传达的信息准确地传递给想要传达的人。我自己其实无法特别去表达什么，当我接受作品集委托的时候，只要去认真凝听作家的想法，关于如何选择适合的纸张、印刷方法、装订、版式、质地和尺寸等等形式，自然而然的就浮现出来了。

当然，不仅仅是书籍本身，也需要考虑书籍周边的环境，比如放置书籍的场所、发行方式、份数和价格，以及如何推出这本书才能达到传达的目的。

360°：《idea》的艺术指导加藤贤策曾提到过，你做了如此多的摄影集与书籍，却没有使用过InDesign。可否分享一下你在设计工具方面的经验？

田中：我认为电脑的各种软件也是工具。就像我画画时喜欢用铅笔一样，我会更倾向于选择简单的软件。如果功能性太高，会变成依赖于功能的设计，不经意地变成按某种标准化的格式去创作。但在没有画格线的白屏上，你可以自由地画画，随意放置页码。相比从一开始就考虑文字排版，在不决定大小的情况下排列它们会产生意想不到的发现。这种方式可能更像是画画，对我来说会很有趣。

360°：可否谈谈书籍设计上，你在处理图像与文字方面的经验吗？就1～2个项目分享一下你如何在设计上体现“编辑思维”吗？

田中：拿一个10多年前的工作来举例，摄影师Takashi Homma的作品集《森林的孩子》。“森林里的孩子”指的是蘑菇，这是一本Homma在东日本大地震后立即进入灾区福岛森林所拍摄的森林和蘑菇的系列照片。

蘑菇容易吸收放射性物质，当时生长在重污染地区的蘑菇是禁止贩售的，然而动物们还是会吃到，这也意味着整个森林生态系统本身都会遭到破坏。虽然当时世界上有很多政治批评，但做为Homma本人，他说自己只能继续拍照。

我收到了大约250张照片，最初是希望我从中筛选出大约50张照片来制作一本相册。在听完Homma的描述、看完照片以后，我第一个反应是“无法去筛选照片”。按Homma的想法，最优先考虑的应该是将所有照片直截了当地呈现给人们，而不是做筛选、在森林和蘑菇的照片中建立等级制度那样的呈现方式。

然后，该书的装订应该是简单的，像用来写日记的实地调查记录本一样。相对地，在纸张选择上，没有像一般摄影集一样采用便于还原照片质感的昂贵纸张，而是选择了一种再生纸含量比例更高、质地粗糙的纸。

当时最苦恼是书籍封面。我是认为最接近Homma本人思想的表达方式是不要写任何标题。不过因为当时书名已经定下来了，而且没有书名是没法流通的，所以我通过把放置好的标题划掉来传达Homma的想法。

这本书被日本平面设计协会授予了最高奖（JAGDA 奖），也在获得了许多艺术评论家的赞赏。但是最开心的还是Homma本人对最后的呈现非常满意，认为它是一本极其能体现作家意图的书。

360°：在访谈中曾描述你对书籍的热爱同时也出自于对纸张的热爱，可否谈谈在数字时代，你觉得纸质媒介的价值与可能？在书籍设计中，你进行过怎样的实验？

田中：我这个年代的人可以说是刚好感受到日本纸媒鼎盛时期和互联网兴起的一代人。从这个意义上说，我能够实在地看到原本纸质媒体所承担的信息传输的功能正在向数字媒体转移；相反，纸质媒体则正在承担印刷品的档案性价值和有限价值，这两者都需要物质性来做支撑。 

随着时代的变化，纸质媒体本身的存在价值也在变化，所以我认为纸媒体不会消失，还在发展演化。也有可能是数字化发展得越多，新的纸质媒体就会重生。

360°：你的书籍创作给予人“刚刚好”的感觉。可否谈谈你在书籍设计中关于“克制”“恰当”这样的书籍美学呢？在你心中，你会更推崇或者更喜欢怎样的书籍设计呢？

田中：与书籍设计相关的材料组合其实有无数种。例如，即便是采用同一种装帧方式，也可以有几十种变化。又比如硬壳封面的情况下，改变硬纸板0.2毫米，或改变切口出边1毫米也会形成完全不一样的立体效果。在日本，可以印刷的纸张有2万种，印刷方式不同，纸张的表情也千差万别。在制作一本书时，通过仔细选择这些东西，使它们接近想传达的概念，就能制作出只能通过这本书去展示的独特设计。

如果问我喜欢什么样的书籍设计的话，我喜欢那些让我觉得是作家自己制作的书籍。因为读者是对作者和书的内容感兴趣，所以最准确、最直接地传达的书就是好书。换句话说，如果在那本书里，可以看到类似于另一个人的自我，或者编辑的观点和出版社不遵循内容的情况，都会模糊了书的概念。一本所有相关人员都朝着一个目标努力的书最终会有好的结果。